 Le texte à lui seul est entier, c’est une entité.Il s’agit pour le comédien de le vivre en scène. Alors, le décortiquer, découvrir en lui tous ses rythmes, toutes ses images, toues ses forces et toutes ses subtilités, tout ce que l’auteur lui-même a donné. Nous ne devons pas transformer le texte pour servir un personnage.
Au même titre, nous ne voulons pas trahir un personnage pour un texte : Je ne joue pas Witkiewicz, je joue avec. (Tadeusz Kantor)
Trouver l’osmose entre le texte, l’espace et le geste pour en faire une réalité scénique. Créer son propre personnage et l’habiller de toute l’ambiguïté du moment. Si le masque met en évidence un état d’âme ou un reflet du caractère, trouver le geste, le pas, le mot, pour que l’harmonie se fasse en ce lieu précis où chacun existe et se regarde. Et si cela ressemble soudain à la guerre, en prendre enfin conscience, et décider peut-être de ne plus la faire. Et quand cela ressemble à l’amour, le vivre enfin.
Comment le comédien ayant acquis une assurance technique se retrouve-t-il confronté à des indications de jeu faisant état de son ready-made ?
Comment se défaire de la mémoire affective tout en gardant pour le public les notions de vérité émotionnelle dans l’action fictive que réclame le jeu théâtral ?
Qu’est-ce qu’une marionnette sans fil lorsqu’elle commence à s’agiter ?
Comment être soi sur scène, dans cet espace de réelle liberté ?
Nous vivons au rythme des images, l’immobilité dérange, l’émotion se vend à l’audimat. Et si le jeu théâtral était fiction pour ne pas se leurrer ? Le comédien est-il un joueur, un exhibitionniste, un esclave ou un saint ? Que va-t-il naître de sa relation avec le metteur en scène, avec la troupe, avec le public ?
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| Le masque
Sous le masque neutre, dont la caractéristique essentielle reste l’absence de toute connotation émotionnelle, le comédien peut sourire, pleurer ou grimacer, mais s’oblige à garder la maîtrise complète de son corps. Il n’exprime alors toutes ses émotions que par l’expression naturelle de son corps.
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| Questions et réflexions
Le théâtre n’est pas un acte anodin.Pourquoi vouloir devenir acteur ? D’autre part, nous travaillerons sur l’idée du groupe, de la troupe. Pour trouver une énergie et une concentration commune. En training ou en répétition, lorsque le sens du travail de chacun se veut individualiste (je dois défendre mon personnage pour l’imposer sur le plateau) ne jamais perdre de vue que tous les personnages de la pièce ont une même importance, une même réalité, et ne sont crédibles qu’ensemble.
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Références et méthodologie
Constantin Stanislavski (puisqu’il faut en passer par là, pour comprendre un jour que le seul personnage sur scène est l’acteur avec toute sa liberté.)Fouiller la mémoire émotionnelle, revivre l’émotion, retrouver les gestes.
Ludwig F Être productif pour ne pas être reproductif. Dépasser les stéréotypes du jeu, les habitudes personnelles et les clichés. Désapprendre. Ne pas chercher à jouer bien, accepter de chanter faux pour naturellement retrouver le ton juste (la fameuse colonne d’air).
Isaac Alv Le silence avant et après la parole est souvent plus éloquent que les mots.
Les objets, le décor, les mannequins prennent vie et ses confondent aux acteurs qui apparaissent tantôt comme des spectres, des pantins ou des enfants découvrant le geste et la parole. Le texte, le personnage, la scénographie – trois entités qui se confondent tout en revendiquant leur entièreté. Le ready-made des dadaïstes s’accorde aux différents personnages non acteurs évoluant dans un espace où chaque rythme est orchestré par un metteur en scène toujours présent et revivant chaque soir ses mémoires. |
| Bibliographie indicative et non exhaustive
Antonin Artaud, Le théâtre et son double |
